2022 год объявлен годом народного искусства и нематериального культурного наследия народов России. Важно помнить о нашем наследии, ведь Россия — огромная многонациональная страна, каждый из народов которой богат своими искусством, традициями и обычаями. Народные промыслы многих регионов известны по всей стране и за ее пределами, а многие являются негласными символами России.

Одним из ярчайших направлений народного искусства является традиционная роспись. Мастера-ремесленники расписывали посуду и мебель с незапамятных времен. Среди самых известных видов росписи:

Хохлома 

Словом «хохлома» называют декоративную роспись деревянной мебели или посуды золотистыми, зелеными и красными красками на черном фоне. Существует два основных типа росписи: «верховая» — красным и черным на золотистом фоне, и «под фон» — золотистый силуэтный рисунок на цветном фоне. При этом заволжские мастера не используют в работе золото. Они вытачивают предметы из дерева, грунтуют их раствором глины и покрывают олифой и порошком олова. Затем выполняют растительный узор, лакируют и обжигают при высокой температуре в печи. Этот русский народный художественный промысел возник во второй половине XVII века в деревнях, расположенных на левом берегу Волги. Готовые изделия везли для продажи в крупное торговое село Хохлома Нижегородской губернии, отчего роспись и получила свое название. Благодаря удачному расположению села на торговых путях хохломские изделия быстро обрели популярность. С Нижегородской ярмарки купцы развозили их по всей России, а также продавали в страны Азии и Западной Европы. Над становлением хохломской росписи работали целые династии мастеров, наиболее известными из которых были Лушины, Гущины и Красильниковы. Во второй половине XIX века возрос интерес к хохломе как к искусству. И в 1853 году ее представили на Всероссийской промышленной выставке в Москве, а затем в Петербурге и Нижнем Новгороде. Кроме того, в моду вошел «русский стиль», и хохломскими изделиями начали пользоваться даже члены царской семьи. Так, в 1882 году императрица Мария Федоровна наградила мастера Михаила Красильникова золотыми часами с дарственной надписью «За свое искусство и представленные государю императору вещи». В 1889 году на Всемирной выставке в Париже хохлома получила Гран-при. В наши дни хохломская роспись развивается в двух центрах — городе Семенове, где с 1920-х годов находятся фабрики «Хохломская роспись» и «Семеновская роспись», и в деревне Семино Ковернинского района, где работает предприятие «Хохломской художник».

Гжель

Что такое гжель? Это вид русской народной росписи, узнаваемый далеко за пределами России. Слово gzhel знают не только искусствоведы и художники. Если попросить иностранца создать инициативный ряд к слову «русский, Россия», то без традиционной хохломы и гжели точно не обойдется. Гжелью называют обширный район под Москвой, объединяющий 27 деревень. Их принято называть «Гжельским кустом». Территориально он находится в 60 км от Москвы по ж/д линии Москва-Муром-Казань. Сейчас это Раменский район Московской области, ранее же территория относилась к Богородскому и Бронницкому уездам. Гончарное ремесло развивалось здесь издавна, а с середины 17 столетия в Гжели добывали ценные сорта глины. Тогда природный материал использовали для аптекарских нужд, а есть быть точнее – «для алхимической посуды». До середины 18 века в Гжели делали обычные для той поры изделия – посуду, кирпич, гончарные трубы, изразцы, а еще детские игрушки. Но на экваторе столетия Гжель стала самым мощным в России центром по производству майолики. Даже Михайло Ломоносов писал об уникальной белизне гжельской глины. Затем в этой местности наладили производство полуфаянса, фаянса, вследствие чего был основан фарфоровый завод. Во второй четверти 19 века искусство гжели достигло пика. Описание лучших произведений, выполненных в этой техники, относится к этому периоду. А далее случился спад, обусловленный промышленным реформированием в России, и длительное затишье. Только после Великой Отечественной, благодаря мастерам-подвижникам, гжель, как народная роспись, была реанимирована. Интересный факт: гжель в своем развитии прошла несколько этапов, и знаменитая синяя роспись на белом фоне – только один из них. Однако ни с чем иным обыватель более не сравнивает гжель. Ведь это цветовое решение стало главным, определяющим для данного вида росписи. Цвета гжельской росписи Есть несколько мнений, почему именно синие узоры на белом фоне стали самыми удачными для гжельских керамистов.  Синеватые завитки на молочной белизне фарфора. А ведь, как уже говорилось, есть несколько видов росписи, где цветовая палитра была не столь ограниченной. Синий цвет наиболее удачно сочетался с глазурью. Другие цвета не всегда давали хорошую комбинацию, немало изделий приходилось отбраковывать. Синий же «срабатывал» идеально. Справедливо и то, что роспись в бело-голубых тонах была в то время общемировой тенденцией: знаменитые голландские изразцы и китайский фарфор, яркие тому примеры.И технические хитрости, и культурное заимствование поучаствовали в создании мирового художественного бренда. Гжельскую колористику постоянно обыгрывают в своих работах современные дизайнеры. Они украшают интерьеры текстилем в стиле гжели, используют вдохновленное гжелью оформление стен. И, удивительно, бело-голубая русская эстетика, умудряется прекрасно ужиться в кантри, скандинавском стиле, и даже в провансе.Смешение двух цветов дает возможность получить множество оттенков. Мастер использует и контрастные переходы, и растягивание через тушевку, и даже сильное затемнение синего.

Жостово

Еще в середине 18 века на Урале местные умельцы начали делать металлические подносы. Через много десятков лет направление начало развиваться и в Подмосковье. В 1825 году в селе Жостово открылась мастерская, владельцами которой были братья Вишняковы, откупившиеся на волю крестьяне. Именно их стараниями жостовский промысел стал развиваться, крепнуть и, как выяснится далее, становится одним из главных символов русского народного творчества. Промысел начал развиваться в Троицкой волости (сегодня – Мытищинский район) Подмосковья. В творческом направлении ярко проявили себя деревни Осташково, Хлебниково, Троицкое. Братья Вишняковы открыли заведение в 1825-ом, сначала там изготавливали изделия из папье-маше, но довольно быстро переключились и на металлическую продукцию. Здесь, в мастерской, родилось самобытное искусство декоративной живописи. Оно базировалось на станковом живописном натюрморте, на традиционной росписи бытовых предметов. Но так народные умельцы по-своему воспринимали и рисование натюрморта, и композицию, и эстетику подачи, они смогли придумать нечто действительно уникальное. История промысла жостовских подносов говорит о получении принципиально нового продукта творчества. Его расцвет пришелся на 70-80-е годы 18 века. Спрос на подносы в городах в это время вырос, и производство в Жостово отделилось от лаковой миниатюры, основой которой было папье-маше. Жостовская фабрика активно работает и развивается в контексте времени: у нее широкий ассортимент продукции, который предполагает не только подносы. В каталоге товаров и посуда, и предметы для декоративного оформления интерьера, и подарочные наборы, а также блокноты, фоторамки, уличные фонарики, свечи… Производит предприятие и корпоративные подарки, очень высокого качества и роскошного вида. Ко всем товарам прилагается сертификат.

Палехская миниатюра

Палехская миниатюра — вид народной русской миниатюрной живописи темперой на лаковых изделиях из папье-маше (коробки, шкатулки, портсигары и т.п.). Возникла в 1918 г. в поселке Палех, Ивановской области на основе иконописного промысла. Для палехской миниатюры характерны бытовые, литературные, фольклорные, исторические сюжеты, яркие локальные краски на черном фоне, тонкий плавный рисунок, обилие позолоты, изящные удлиненные фигуры. Ещё с допетровских времён Палех славился своими иконописцами, а наибольшего расцвета палехское иконописание достигло в XVIII — начале XIX века. Местный стиль сложился под влиянием новгородской, московской, строгановской и ярославской школ иконописания. Кроме иконописи, палехские мастера занимались монументальной живописью, они участвовали в росписи и реставрации церквей и соборов, в том числе Грановитой палаты Московского Кремля, храмов Троице-Сергиевой лавры, Новодевичьего монастыря. В 1928 году в Палехе была открыта профтехшкола древней живописи, обучение в которой длилось четыре года. В 1935 году школа была преобразована в художественный техникум, а в 1936 году техникум перешёл в систему Всесоюзного комитета по делам искусств и стал называться училищем (Палехское художественное училище имени А. М. Горького), где обучение длилось пять лет. (Кстати, в 2000-х годах срок обучения сокращён до четырёх лет). Одним из самых ярких и талантливых художников Палеха был Иван Иванович Голиков. Его называли мастером коня, битвы и тройки. Сказочные кони с хрупкими ногами в миниатюрах Голикова расцвечены всеми цветами радуги, а «битвы» и «охоты» – проявление неукротимой фантазии палехского художника.  Палехские художники проявляют своё дарование во многих видах изобразительного искусства: монументальной живописи, книжной графике, театральной декорации. В настоящее время в Палехе живёт и работает около 600 художников, каждый десятый житель Палеха – выпускник Палехского художественного училища им. А.М. Горького. Они работают в различных творческих коллективах.

Борецкая роспись

Корнями искусство Борка вплетается в историю иконописи северной школы. Относится промысел к белофонной северодвинской росписи, среди других известных представителей этого течения – пичужская, ракульская, пермогорская. Борецкой росписи по дереву свойственен насыщенный, напряженный и густой колорит, присущий иконописным образцам. Специалисты неслучайно сравнивают ранние работы борецких мастеров с эстетикой церковного иконостаса. Особое внимание приковано к растительным узорам промысла: очень динамичный, сочный, с ярким цветовым наполнением узор глубоко традиционен. И даже в этом сюжете проглядывается связь с иконописью – золотой тюльпан, изящно вписанный в борецкий сюжет, встречался на многих иконах 17-ого столетия.  Промысел связывают, в первую очередь, с именем Пелагеи Амосовой (более известной как мастер Польникова). И хоть талантливыми живописцами были и ее братья, расписанные борецкой умелицей прялки обрели куда большую славу.. Схема росписи одной из прялок стала стойкой, композиционно основополагающей: сват, поднимающийся по высокой лестнице, изображенный на прялке, встречается в мотивах росписи и в настоящее время. Классические сюжеты повторяются, хотя встречаются и современные авторские элементы. В древности мастера расписывали дерево в больших и малых формах – ставчики, туеса, короба, предметы домашнего обихода и не только. Но ближе к 20-ому веку яркие, самобытные узоры остались только на прялках. Борецкая роспись, элементы которой увлекательно рассматривать поочередно, это мир символики и скрытых смыслов. Благодаря этому работа приобретает философский контекст, и влияет на зрителя не шаблон, не конвейерный рисунок, а смысловая подача в декоративном оформлении.

Главные элементы направления:

• птица (птицы) – если крылья ее раскрыты, это могло быть символом власти солнца, но даже иное изображение птицы вызывало ассоциации с теплом, весной, пробуждением, предвестником щедрого урожая и добробыта;
• дерево – это древо жизнь, активность человеческой души в мире;
• конь – чаще в северодвинской росписи обозначал восход солнца, его жизненную силу и могущество;
• тюльпан – символизировал достаток (так как художник вживую диковинного тюльпана не видел, приписывал к нему чужеродные листочки, земляники или папоротника);
• трилистник – у славян означал основу гармоничного сосуществования, в разные времена он был символом триединства природных явлений, а также знаком христианства;
• ягодная веточка – также означала достаток, богатство, налаженный быт (как сказали бы сегодня).

Распространенные орнаментальные типы —  уголок, композиция в круге, розетка, ленточный орнамент, композиция в квадрате. Как и многие старинные промыслы, роспись по дереву не просто не забыта: все больше современных мастеров в своем творчестве обращаются к мотивам и техникам многовековой давности. Для оформления интерьеров в русском стиле, для создания аутентичных предметов быта, декора, одежды берутся мотивы, в том числе, и борецкой росписи. В последние годы популярными стали деревянные фруктовницы или ягодницы: большие, но не очень глубокие тарелки в форме птиц, цветов, ягод. Если посмотреть на фото таких вещей подробнее, можно заметить – автор хорошо работает с сюжетом, использует классические приемы и цвета, и современные материалы и инструменты ничуть не нарушают восприятие работы. Древний промысел не просто живет: его азы, достижения и самые узнаваемые элементы актуализируются в современных принтах, дизайне одежды, мебели, гаджетов и рекламном производстве.